ISCREAM NEVER GROUND – RESURRECTION FEST 2026
En esta entrevista escrita, Bob, representante de ISCREAM NEVER GROUND, responde a nuestras preguntas sobre su regreso a Resurrection Fest, la construcción de sus directos y los retos de su expansión internacional.
Para comenzar, preséntate brevemente y explícanos cuál es tu función dentro de ISCREAM NEVER GROUND.
Soy Bob, representante de ISCREAM NEVER GROUND. Sobre el escenario toco el bajo y me encargo de las secuencias y de la producción de los visuales. Fuera del escenario, mis principales funciones abarcan desde la composición y las letras hasta la supervisión del diseño del merchandising y la autogestión de la banda.
El año pasado actuasteis por primera vez en Resurrection Fest, en el Chaos Stage, mientras que este año habéis dado el salto al Main Stage. ¿Qué descubristeis sobre vosotros mismos y sobre el público europeo a raíz de aquella primera experiencia? ¿Cómo aplicasteis lo aprendido al concierto de este año? Una vez sobre el escenario, ¿notasteis alguna diferencia con respecto al año pasado?
El año pasado todo era desconocido para nosotros. Ni siquiera éramos capaces de imaginar qué clase de panorama nos esperaba.
Cuando comenzó a sonar la introducción y salimos al escenario, vimos una multitud que se extendía hasta donde alcanzaba la vista. Recuerdo que me emocionó muchísimo comprobar que habíamos conseguido llegar hasta un lugar tan increíble.
Este año nos ofrecieron actuar en el Main Stage, pero éramos la banda encargada de abrir la jornada, así que quienes quisieran vernos tenían que madrugar bastante (risas). Por eso decidimos cambiar de mentalidad: en lugar de sentirnos como unos invitados a los que Resurrection Fest había permitido participar, afrontamos el concierto pensando que éramos nosotros quienes debíamos poner en marcha el festival y empezar a construir el ambiente de ese día.
Además, durante el vuelo de Francia a España de aquella misma mañana sufrimos la pérdida de parte del equipaje. Algunos instrumentos, parte del equipo y el vestuario se quedaron en París. Creo que fue un día que nos puso a prueba en muchos sentidos.
Uno de los factores que ayudaron a que ISCREAM NEVER GROUND empezara a ser conocido fuera de Japón fueron vuestros vídeos cortos en redes sociales. ¿Qué aspectos del atractivo de la banda pueden transmitirse en apenas veinte segundos? ¿Y qué creéis que solo puede comprenderse al experimentar uno de vuestros conciertos en persona?
Creo que tenemos un impacto inmediato bastante llamativo. No hay muchas bandas que combinen un sonido tan agresivo con un vestuario de colores tan vivos.
En los vídeos intentamos incluir las letras siempre que es posible, pero procuramos que los visuales del fondo no se muevan demasiado. Prestamos mucha atención a ordenar la cantidad de información que recibe quien está viendo el vídeo.
En especial, muchas de nuestras letras tienen un contenido que, intuitivamente, puede parecer poco compatible con un sonido hardcore. Quizá ese contraste sea lo que provoca tantos comentarios y reacciones entre quienes nos descubren por primera vez en redes sociales.
En cuanto a lo que únicamente puede transmitirse en directo, para nosotros es muy importante el impacto del sonido de la banda. Creo que esa es la principal diferencia.
Sabemos que ese impacto no puede reproducirse por completo al ver un vídeo corto desde un teléfono, por lo que muchas veces sustituimos el sonido grabado en directo por la versión original de la canción, que se escucha mejor desde un móvil. Además, desde el punto de vista del algoritmo, cuando la plataforma reconoce que se está utilizando la misma canción, resulta más favorable si lo que buscas es que el vídeo alcance una mayor difusión.
Vuestros conciertos parecen extremadamente caóticos y espontáneos. Sin embargo, para conseguir que una multitud se mueva y participe al mismo tiempo también debe de ser necesaria una preparación muy precisa. Dentro de ese caos, ¿qué partes están planificadas detalladamente de antemano? ¿Y qué elementos cambian realmente sobre la marcha dependiendo de la reacción del público?
Mi mentalidad es bastante parecida a la de un deportista. Suelo preparar y anticipar todo con mucho detalle para crear un entorno en el que podamos ofrecer el cien por cien de lo que hemos ensayado. Por eso creo que somos una banda que deja bastantes cosas decididas de antemano. También cuidamos muchísimo la manera de enlazar unas canciones con otras.
Además, especialmente cuando actuamos en el extranjero, utilizamos mensajes y presentaciones grabados en el idioma local. Eso nos obliga a imaginar con mucha antelación cómo será el concierto de ese día.
A menudo preparo esos mensajes mientras viajamos o durante el día anterior, después de darles muchas vueltas. Sin embargo, también es habitual que, al llegar al recinto, decidamos sustituirlos a última hora por otros para que se acerquen lo máximo posible a algo que estemos diciendo en tiempo real.
Intentamos incorporar al concierto tantos elementos específicos de ese día como sea posible.
Uno de vuestros objetivos es convertir todo el recinto en una especie de gran gymkhana colectiva. En el extranjero hay muchos asistentes que no entienden japonés y que tampoco conocen los movimientos o las reglas de cada canción. ¿Qué recursos utilizáis para explicarles qué deben hacer sin depender de las palabras? ¿Pensáis desde la fase de composición cómo queréis que se mueva el público?
En las canciones de nuestros primeros años, especialmente hasta nuestro primer álbum, Asobi Viva Revolution, era habitual que pensáramos en los movimientos del público al mismo tiempo que componíamos.
El problema es que, durante aquella etapa, prácticamente agotamos todos los movimientos que queríamos probar en directo (risas).
Por eso, en nuestras canciones más recientes, primero terminamos la composición y después añadimos movimientos que todavía no habíamos utilizado en aquellos momentos del concierto en los que creemos que pueden resultar más efectivos.
Para enseñar esos movimientos utilizamos precisamente los vídeos de redes sociales. En los recintos donde es posible también empleamos los visuales proyectados durante la actuación.
En realidad, la forma concreta de comunicarlos no cambia demasiado entre Japón y el extranjero. Todo el mundo suele adaptarse bastante rápido. Tenemos la sensación de que, independientemente del país, las personas a las que les gusta vernos tienen una capacidad de adaptación especialmente alta (risas).
En vuestros conciertos, el público no se limita a recibir la música, sino que también se convierte en una parte activa de la actuación. ¿Ha ocurrido alguna vez que los asistentes reaccionaran a una canción de una manera que no habíais imaginado y que esa reacción acabara cambiando vuestra forma de interpretarla o presentarla en directo?
Sí, ha ocurrido varias veces. En Tokio, por ejemplo, hay un grupo de personas que intenta extender la práctica del Viking mosh durante los breakdowns de algunas canciones.
Sin embargo, desde el punto de vista del diseño general del concierto, también es una cuestión complicada. Creemos que existen cosas que resultan interesantes precisamente porque han surgido de manera espontánea, mientras que otras funcionan porque se convierten en rituales reconocibles o en códigos propios del espectáculo. Cada una tiene un atractivo diferente.
Nosotros tendemos a dar más importancia a esos rituales y códigos escénicos que habíamos imaginado desde el principio.
Por ejemplo, tenemos muy claro que, durante un estribillo melódico, los saltos desde el escenario o el crowd surfing encajan mucho mejor que correr formando un circle pit. Hay determinados principios en los que no queremos ceder.
Aun así, seguimos buscando constantemente cuál es el equilibrio ideal entre ambas posibilidades.
Si pudierais contemplar un único momento del concierto de hoy desde la perspectiva del público, ¿cuál elegiríais? ¿En qué os fijaríais para comprobar si habíais conseguido involucrar realmente a todo el Main Stage?
Elegiría la parte de STAY GROUND, una de las canciones que interpretamos hacia el final del concierto, en la que gritamos los nombres de diferentes países y regiones.
El año pasado, mientras todavía estábamos componiendo esa canción, se confirmó nuestra participación en Resurrection Fest 2025. Como encajaba con el concepto que habíamos imaginado originalmente para el tema, decidimos introducir en la letra los nombres de los países y regiones en los que habíamos conseguido poner un pie gracias a nuestros conciertos, aunque solo hubiera sido una vez.
Por eso se podría decir que la mitad de STAY GROUND nació gracias al Resurrection Fest del año pasado.
Este año pudimos interpretar esa canción en el Main Stage. Volver a gritar allí mismo el nombre de Viveiro, que aparece en la letra, fue sin duda uno de los momentos más destacados de este año.
Recientemente habéis publicado “42283”. ¿Qué significado tiene esta canción para el ISCREAM NEVER GROUND actual? ¿Qué elemento aporta a vuestros conciertos que no estuviera presente en vuestras canciones anteriores?
La canción habla del modelo 42283 de pantalones cortos Dickies, que llevamos utilizando durante casi nueve años de actividad.
La canción surgió porque, a principios de este año, recibimos una propuesta de colaboración oficial por parte del equipo de Dickies en Japón.
Hace aproximadamente diez años se puso de moda en los festivales de rock japoneses acudir a los festivales de verano llevando pantalones Dickies de diferentes colores. Yo pertenezco exactamente a la generación que vivió aquella tendencia.
La intención de la canción era recuperar esa forma despreocupada de vestirse y entregarse por completo durante los conciertos.
Sinceramente, no era un tema compuesto pensando demasiado en nuestra gira europea (risas). Sin embargo, gracias también a la coreografía que añadimos posteriormente, terminó convirtiéndose en una canción que anima al público mucho más de lo que habíamos imaginado.
Creo que, a partir de ahora, será una canción importante dentro de nuestros repertorios.
Vuestras canciones tienen cambios muy rápidos y numerosas variaciones, mientras que los tres vocalistas desempeñan funciones diferentes. ¿Cómo decidís quién canta o grita cada parte, quién presenta las canciones y quién se encarga de guiar al público? ¿Esos papeles estaban definidos desde el principio o fueron tomando forma poco a poco a medida que dabais conciertos y observabais las reacciones de los asistentes?
Básicamente, lo decidimos todo durante la grabación de cada canción.
En nuestros primeros años era habitual que compusiéramos cada sección pensando desde el principio en una persona concreta. Sin embargo, últimamente hacemos que los tres vocalistas graben todas las partes en las que creemos que podrían encajar.
Después volvemos a escuchar las grabaciones y, mientras ajustamos el arreglo, seleccionamos cada voz teniendo en cuenta aspectos como el timbre o la energía con la que interpreta la sección.
En cuanto a la estructura del concierto, decidimos de antemano dónde estarán las intervenciones más importantes, incluidos los mensajes reproducidos en forma de anuncio. Los dos vocalistas masculinos también se coordinan para repartirse elementos como la presentación de los títulos de las canciones.
Continuáis trabajando de manera independiente y habéis recurrido al crowdfunding para producir videoclips en Europa. ¿Cómo decidís si debéis afrontar un desafío de gran envergadura, teniendo en cuenta también el riesgo económico? En esas obras realizadas gracias al apoyo de vuestros seguidores, ¿qué queríais mostrar de Europa que no habría podido expresarse grabando únicamente en Japón?
El crowdfunding destinado a producir los videoclips fue el que realizamos el año pasado.
La participación en Resurrection Fest se decidió de forma bastante repentina. Por eso pusimos en marcha aquel proyecto con la intención de hacer todo lo que estuviera en nuestras manos para que el viaje no se limitara a aquella actuación y pudiera conducirnos hacia futuras actividades.
Los videoclips que realizamos fueron STAY GROUND y 2STEP 3FUN 4LLOWING (Broken English ver.).
Algunos de los miembros obtuvieron su pasaporte por primera vez y nunca antes habían viajado fuera de Japón. Creo que conseguimos mostrar una historia muy propia de nosotros: la de una banda que por fin había salido de Japón para lanzarse al extranjero.
También sentimos que aquello fue lo que nos permitió llegar hasta la gira de este año.
En cuanto al nuevo crowdfunding que realizamos este año, la gira europea tenía una duración y una escala superiores incluso a cualquier gira que hubiéramos realizado anteriormente en Japón.
El objetivo era poder completarla de forma segura, garantizando al mismo tiempo la calidad de la producción, y utilizarla como base para intentar dar un salto todavía mayor en el futuro.
Para nosotros no se trata tanto de decidir si debemos atrevernos o no. Cuando aparece una oportunidad, damos por hecho inmediatamente que vamos a intentarlo. Lo que nos planteamos después es cómo podemos convertirla en realidad, y el crowdfunding ha sido una de las herramientas que hemos elegido para lograrlo.
Este ha sido ya nuestro cuarto crowdfunding, así que quizá hayamos empezado a acostumbrarnos un poco a ellos. También los utilizamos como una oportunidad para contar con la ayuda de nuestros seguidores y organizar actividades para la comunidad que únicamente pueden celebrarse en ese momento concreto.
En esta gira actuaréis en festivales de metal, eventos relacionados con la cultura japonesa y salas de conciertos. ¿Modificáis la forma de presentar a la banda o de construir la actuación dependiendo de si el público busca música extrema, está interesado en la cultura japonesa o ha acudido específicamente para ver a ISCREAM NEVER GROUND?
Modificamos el repertorio hasta cierto punto, pero nuestro estilo fundamental se mantiene.
Queremos ofrecer por igual la experiencia de moverse sin parar al ritmo del sonido de la banda.
No podemos reducir los gritos ni suavizar la distorsión para adaptarnos al evento (risas).
Además, muchos de los eventos relacionados con la cultura japonesa están bastante orientados al anime, los videojuegos y otras aficiones propias de la cultura geek. Yo también considero que mis raíces están muy próximas a ese contexto.
Por eso intentamos comunicar a esas personas que nosotros también pertenecemos a ese mismo mundo.
Cuando hayáis terminado trece conciertos en siete países, ¿qué tendría que suceder para que sintierais que no solo habéis encadenado buenas actuaciones, sino que realmente habéis construido una base sólida de seguidores en Europa? ¿Hay algún país o ciudad en el que todavía no hayáis actuado y que os gustaría visitar en el futuro?
Puede sonar demasiado concreto, pero creo que la respuesta estará en comprobar si aumenta la escala de las ofertas de contratación que recibamos para futuras giras.
Somos una banda especialmente orientada a los festivales al aire libre, así que será importante ver si empieza a crecer el número de invitaciones para ese tipo de eventos.
Eso no significa que no nos guste actuar en salas (risas). Las salas con buenas condiciones de sonido y temperatura también son increíbles.
En esta gira no hemos podido visitar las zonas del norte de Europa, incluido Reino Unido, así que nos gustaría actuar en esos países.
En Estados Unidos solo hemos tocado hasta ahora en Texas, por lo que también nos gustaría recorrer otras regiones del país de una forma más amplia.
Y también Chile. Por algún motivo, cuando nuestros vídeos cortos empezaron a crecer en redes sociales, fue uno de los lugares donde más rápidamente aumentó nuestro número de oyentes.
Por eso, dentro de Sudamérica, es un país que nos interesa especialmente. ¡Algún día! (risas).
