【Entrevue】kokeshi – Road to Europe

Entretien avec kokeshi pour R.E.A (Elros Alcarín)

Il existe des groupes dont on peut se faire une idée presque immédiate après avoir écouté quelques morceaux et lu une courte présentation.

kokeshi, cependant, est différent.

Depuis sa formation en 2017, kokeshi est souvent décrit comme un groupe mêlant black metal, screamo, shoegaze et esthétique horrifique. Pourtant, plus on passe de temps avec leurs morceaux, leurs clips et leur expression visuelle, plus certains thèmes commencent à apparaître, des thèmes que ces étiquettes ne suffisent pas à expliquer. L’identité, la perte, les blessures qui ne disparaissent jamais, les changements qui nous façonnent et la tension entre le moi que nous montrons et celui que nous gardons caché.

Avant leur concert à Madrid dans le cadre de leur tournée européenne, nous avons voulu parler avec kokeshi sous un angle légèrement différent.

Non pas à propos de genres ou d’étiquettes, mais des idées, des images et des émotions qui semblent façonner l’univers de kokeshi.

Après avoir joué non seulement au Japon, mais aussi à l’étranger, y a t il quelque chose que vous avez redécouvert sur l’attrait ou les caractéristiques de votre musique à travers les réactions du public ?

Nana : En jouant à l’étranger, j’ai de nouveau ressenti que, même lorsque la langue ne se comprend pas, l’univers que nous voulons exprimer peut tout de même se transmettre.

Même si nous évoluons dans un genre intense, nous n’utilisons pas de performances ou d’interventions scéniques destinées à faire monter l’énergie du public de manière conventionnelle. C’est pourquoi certaines personnes observent silencieusement le son et la performance, tandis que d’autres libèrent leurs émotions dans le mosh. Chacun reçoit l’œuvre selon ce qu’il ressent.

J’ai de nouveau senti que le plus grand attrait de nos concerts est que le public peut faire l’expérience de l’œuvre elle même comme d’un spectacle complet.

Dans les vidéos et les paroles de kokeshi, des espaces du quotidien comme les chambres, les maisons ou les cuisines apparaissent, mais une sensation de malaise ou d’étrangeté s’y cache parfois. Qu’est ce qui vous attire dans l’inquiétante étrangeté qui peut exister au sein de choses familières ?

Adel : Je pense que le sentiment de solitude que l’on éprouve lorsqu’on se retrouve abandonné dans une forêt profonde ou au milieu d’une nature immense exprime, plus que la peur, une certaine beauté ou un certain vide.

Plus un lieu est proche de notre vie quotidienne, plus il devrait nous sembler rassurant, et plus les gens ressentent de la peur lorsque quelque chose d’étrange s’y produit.

Sous le lit. Un placard légèrement entrouvert. Un couteau qui devrait se trouver dans la cuisine, mais qui apparaît dans un sanctuaire. Lorsqu’une chose se trouve dans un endroit où elle ne devrait pas être, les gens ressentent un malaise.

KOKESHI intègre ces deux formes d’expression selon les morceaux.

La musique de kokeshi semble s’intéresser davantage aux personnes qui sont au milieu d’un changement qu’à celles qui ont déjà trouvé une réponse. Qu’est ce qui vous attire dans ce processus ?

Adel : Je pense qu’il est normal que chaque auditeur ait sa propre histoire pour chaque morceau. Il y a des chansons dans lesquelles le son semble purifier des paroles ou des voix maladives, comme les fantasmes d’un fou ou de quelqu’un qui ne parvient pas à se fondre dans cette planète ou dans la société.

Si vous essayez de lire le message trop profondément ou de comprendre les morceaux de manière trop rationnelle, vous pourriez finir par tomber malade, alors faites attention.

Par le passé, Nana a parlé d’expériences difficiles, de haine et de la volonté de continuer à vivre le présent. Écrire des paroles est il pour toi une manière de comprendre les émotions, ou une manière d’apprendre à vivre avec elles ?

Nana : Pour moi, écrire des paroles ne consiste pas vraiment à comprendre mes propres émotions. Il s’agit plutôt de mettre en mots les émotions et les paysages qui existent dans chaque œuvre. Je crois que cela permet de rendre l’œuvre plus réelle.

Dans les paroles, j’exprime souvent diverses émotions négatives vues sous différents angles, ou je remplace ces émotions par des mots qui portent un autre sens. J’essaie d’écrire des paroles qui permettent d’imaginer, à travers le son joué, les scènes de l’histoire propre à chaque œuvre.

Les masques, les contradictions intérieures et les identités qui s’effondrent apparaissent de manière récurrente dans les paroles de kokeshi. Pensez vous que les gens passent une grande partie de leur vie à chercher leur véritable moi ?

Nana : Nous vivons à une époque débordante d’objets et d’informations. Si nous détournons le regard, il devient facile de perdre de vue ce que nous voulons vraiment faire ou ce qu’est réellement notre essence.

Je pense qu’il est nécessaire de s’arrêter une fois en chemin et de vérifier cette essence en nous confrontant à nous mêmes, que ce soit en nous interrogeant directement ou en nous observant avec davantage de recul.

Dans “Rokudō no Tsuji”, des thèmes comme la perte, la haine, le pardon et la destruction apparaissent à plusieurs reprises. Pourtant, le morceau ne semble pas chercher à offrir une réponse ou une conclusion claire. Êtes vous plus intéressés par les questions que par les réponses ?

Adel : Ce morceau se déroule après coup. C’est l’histoire qui vient après une tragédie. Je pense qu’il chante de manière fragile ce qui a été brisé, ou ce que l’on a soi même détruit.

Plus que l’importance des réponses ou des questions, il s’agit du changement émotionnel d’une personne. Les parties mises à nu. La colère brûlante qui apparaît sous la forme d’un vide froid. La manière dont l’expression change d’une scène à l’autre.

En Occident, on parle souvent des blessures comme de quelque chose qu’il faudrait surmonter ou laisser dans le passé. Au Japon, en revanche, il existe le concept du kintsugi, où les fissures sont réparées tout en conservant leurs traces comme une partie de l’histoire de l’objet. En lisant les paroles de kokeshi, nous avons ressenti un certain lien avec cette façon de faire face aux cicatrices. Vous sentez vous également proches de cette idée ?

Nana : Je crois qu’il est impossible de faire comme si les blessures ou la douleur du cœur humain n’avaient jamais existé.

Une fois qu’une blessure est faite, si elle n’est pas réparée, elle commence peu à peu à se corroder. Cette corrosion peut devenir du ressentiment, consumer son propre cœur et même envahir d’autres cœurs.

Il ne s’agit pas de nier le ressentiment, mais de lui faire face. Je crois qu’en faisant cela, il peut être accepté comme une partie de soi. C’est pour cette raison que le ressentiment apparaît naturellement dans mes paroles.

La musique de kokeshi contient à la fois des moments d’une intensité extrême et des moments si délicats qu’ils semblent pouvoir se briser. Pour vous, quelle relation existe entre ces deux émotions opposées ?

Adel : Dans la philosophie de KOKESHI et dans les fondements de notre musique, il existe un thème très important : l’immobilité et le mouvement.

Par moments, cela se transforme et s’exprime sous la forme de la destruction et de la purification, de la vie et de la mort, entre autres idées. Je pense que l’idéal serait de créer des morceaux tout en étant toujours capables de percevoir les choses aussi depuis le point de vue opposé.

Sur le plan sonore, l’écart entre les sons faibles et les sons puissants, les nuances et la dynamique sont ce à quoi KOKESHI accorde le plus d’importance lors de l’interprétation.

Nana : Les moments si délicats qu’ils semblent sur le point de se briser font ressortir encore davantage la scène intense qui vient ensuite. De la même manière, une phrase délicate après un moment intense permet à la résonance de cette intensité de s’étendre.

Je pense que ces expressions opposées s’enrichissent mutuellement.

Dans l’expression visuelle de kokeshi, on retrouve des images récurrentes comme la mer, les fils rouges, les corps fragmentés ou des silhouettes semblables à des ombres. Y a t il des symboles ou des motifs qui entrent naturellement dans votre travail, même sans que vous en ayez consciemment l’intention ?

Adel : Je pense que, même sans le faire consciemment, nous avons tendance à traiter de manière symbolique les lieux où des humains ont autrefois existé, comme les ruines, les maisons abandonnées ou les villes englouties par des forêts profondes.

Par exemple, même dans un morceau qui évoque l’image de quelqu’un en train de se noyer en pleine mer, le visuel que nous créons peut se dérouler dans la salle de bain d’une maison. En créant des vidéos ou des photographies qui contrastent avec l’univers du son et des paroles, nous pensons que le morceau gagne en profondeur et en amplitude expressive.

Peut être que l’important est de ne pas simplement faire correspondre l’image visuelle à l’image sonore.

En incluant les vidéos, les visuels et l’expression scénique, kokeshi semble posséder un univers qui ne peut pas être entièrement expliqué par la musique seule. Y a t il des émotions ou des images que vous ressentez le besoin de montrer d’abord, avant de les expliquer avec des mots ?

Nana : Oui. Avant tout, nous voulons que les gens ressentent l’univers de l’œuvre.

Les clips, les pochettes de CD et les concerts ne sont pas des éléments séparés. Nous les considérons comme des expressions qui composent une seule œuvre. Pour que les gens puissent entrer dans cet univers, la musique est bien sûr essentielle, mais l’information visuelle est elle aussi indispensable.

Par exemple, la pochette d’un CD est une information que les gens reçoivent avant même d’écouter les morceaux. C’est précisément pour cela que nous la considérons comme une entrée vers l’univers de l’œuvre, afin que les gens puissent d’abord en ressentir l’atmosphère et l’histoire.

En Europe, la musique de kokeshi est souvent présentée comme une fusion de black metal, screamo, shoegaze et esthétique horrifique. Pensez vous que cette description représente KOKESHI avec justesse, ou avez vous le sentiment qu’elle ne transmet qu’une partie de l’histoire ?

Adel : Comme nous créons des morceaux influencés par le rock lourd et le metal, je pense que cette description est juste.

J’ai aussi grandi en écoutant des chansons enfantines japonaises et du kayōkyoku, donc il existe également un élément important qui consiste à transformer une musique enracinée dans les traditions et la chanson populaire japonaises en quelque chose de lourd.

Depuis votre formation en 2017, vous avez partagé la scène avec de nombreux artistes étrangers et élargi vos activités en dehors du Japon. Avez vous ressenti des différences dans la manière dont kokeshi est reçu selon les pays, ou certaines réactions vous ont elles surpris ?

Adel : Le public japonais a tendance à regarder en silence, comme en retenant son souffle, ce qui crée un espace extrêmement tendu. À l’étranger, en revanche, j’ai l’impression que le public est excité et profite du concert de manière plus ouverte.

Les auditeurs des pays asiatiques nous ont accueillis avec beaucoup de respect.

En Europe, il semble y avoir beaucoup de groupes qui traitent de thèmes liés à l’horreur, à la spiritualité ou à l’occultisme comme nous, donc nous avons hâte d’y être.

Si quelqu’un découvre kokeshi pour la première fois lors du concert de Madrid et quitte la salle sans se souvenir des titres des morceaux ni des genres, quelle émotion ou quelle impression aimeriez vous qu’il emporte avec lui sur le chemin du retour ?

Adel : Je veux qu’il ressente la destruction et la purification. À l’origine, plutôt qu’un groupe qui réfléchit à des choses musicalement complexes, nous sommes un groupe qui produit des basses lourdes afin de provoquer une libération de dopamine. J’espère que nous pourrons offrir un salut de l’âme à travers un son extrêmement sombre, des guitares ambient et de la poésie.

Nana : Je veux que les gens regardent en s’abandonnant à cet univers, sans penser à rien. Et j’espère que quelque chose restera dans le cœur de celles et ceux qui nous verront. Cette chose continuera à vivre en vous, et je pense qu’elle éveillera l’envie de revoir KOKESHI.